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毕加索一生8个创作时期的画风概述及其代表作品简介:

一、童年时期:

1900年之前,可谓之童年时期。在这个阶段,他的作品“以人物肖像为主,其共同特点是笔触细腻、造型简练厚重,极具主题意识。在表现真实的基础上延伸了作品的内涵,使得作品具有普遍的社会意义。”代表作包括《赤脚姑娘》等。

《赤足的少女》又名《赤脚姑娘》,是毕加索在14岁时的作品。画中的女孩是一个普通的邻家的姑娘,她随意地坐在一堵墙壁前,乌黑的大眼睛凝视前方,衣着朴素,不太干净的围巾胡乱地搭在肩上,粗糙的大脚显示出家境的贫寒。与粗手大脚相对应的是姑娘纯净的眼神、匀称的脸庞,以及忧郁、娴静的神情。从绘画技巧上来说,毕加索让人物正面坐着,却隐藏了椅子与地面的空间关系;在对女孩衣裙的处理上,他利用光的明暗突出层次感,裙子颜色从红色到暗红色渐变起伏,使得二维画面具有了一种三维透视效果。对绘画技巧的驾轻就熟可见毕加索“学有本源,非率而命笔也”,这也正是中国画大师张大千在拜会毕加索之后的所言。

当然,《赤足的少女》这幅画并不纯粹以技法取胜,难得的是毕加索在那样一个年龄却着力捕捉同龄模特儿的内在气质和生命,从结果来看他的努力亦非常成功。所以,表现在画中的强烈的视觉和情感对比才是这幅画引人入胜之处。毕加索本人对《赤脚女孩》也相当满意,一直将它保留在身边。


二、蓝色时期

1900年至1904年,谓之蓝色时期。在这个阶段,毕加索第一次形成自己的风格。“作品背景蓝,人物蓝,头发、眉毛、眼睛皆蓝,蓝色主宰了他一切作品,而背景简化”。这与画家在这一时期生活的拮据,心境的忧郁息息相关,所谓艺术投影生活,正是如此。这一时期的作品包括《男子肖像》等。

《男子肖像》除了色调较为统一之外,毕加索也开始强调线条的运用,包括五官的刻画已不再具有圆润的立体感,眉毛和眼睑则直接以曲线描绘,背景墙上悬挂的画作则更明显地大量运用线条勾勒。


三、玫瑰红时期

1904至1906年,是毕加索创作的玫瑰红时期。随着他迁居巴黎,并开始结交女友,其蓝色风格时期也宣告结束。毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的简洁笔法,而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。柔和的粉红色调开始渗透到其画布上原本单一的蓝色中去,并很快成为主要颜色,那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。青春和爱情活生生地出现在画面上,人物形象往往是一些富有青春美或是魁梧的人,其画作呈现的是一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界,于是也有人称之为“马戏团风格”。

而在这一时期,毕加索已开始对立体主义的探索,《女子头像》正是这种探索在雕塑方面的体现。相较于绘画而言,探索者面对雕塑时不存在在画面上创造、重新组合空间的任务,但正是因为他们始终把认识和表现“本质上的形”作为自己的主要课题,因而在本身就是三度空间的雕塑艺术上,更加积极地从事于“本质的形”的研究。可以说,通过《女子头像》这件作品,毕加索首度在三度空间表现了立体主义风格。

《女子头像》是毕加索在巴黎蒙马特高地被称为“洗衣船”的小阁楼上为菲尔南德•奥里威尔所作的一件泥塑头像,后来在他的西班牙籍朋友冈萨雷斯的帮助下翻成了青铜。头像的处理手法明显地受到非洲雕刻的影响,他把自然形态下的头部按照本质构成的大小几何面,组合成有节奏的整体。这一点被后来的未来主义、构成主义雕塑家们加以发挥,从而创造了现代雕塑的第一次高潮。


四、立体主义时期

1907至1916年,毕加索进入了立体主义时期。这一时期的创作特点是,“不去描绘客观物体的外表形态,而是把客观物体引入绘画,从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。” 同时,赋予形式意味的构图和画面最终的震撼力,形态穿插闪躲于几何之间,色彩从单一变成复色。另外,为了更仔细地分解对象的造形,毕加索以及其他立体主义绘画者也倾向选择较单纯的主题来作画,比如静物、肖像、人体等等,至于他以前关心的斗牛、巴黎夜生活、小丑、穷人等题材,则难以融入到这个新风格中。毕加索以大量的创作来探索这种风格,比如在《斜躺的裸女》、《站立的裸女》等人体作品中,他以浓重的轮廓线勾勒出身体的各个部位,尤其强调椭圆形的乳房和折曲的四肢,藉由块状的结构组成扭曲的躯体;相反的,在五官的描绘上则简略得几乎不可辨识,背景也仅只是布满笔触的简单色块。

自1911年开始,立体派艺术家们在分解绘画对象的形体之余,也同时在实验新的创作技法。包括布拉克、毕加索等人纷纷在绘画中加入了印刷字体,这与绘画传统中的手绘质感大异其趣,而是一种经过工业生产的、在广告与新闻媒体中所运用的符号。绘画空间的深度因此消失了,所有的造形元素就像这些文字一样并列在画布这个平面上。起初这些立体派艺术家们只是将文字“画”在作品中,然而到了1912年以后,他们进一步将平面的材料直接拼贴在画布上诸如印刷品、织品等等,为了调和拼贴上去的材料与画布的质感,往往再以颜料加以涂绘。在这个过程中,使画面中出现了异于绘画的材质,而被称为立体主义的“综合期”。

《有胡子的男人》这幅作品是毕加索立体主义综合时期的代表作之一,他在画布上拼贴印花布,为了妥善地调和印花布和油画的造形和质感,画中“人物”的形体也运用大量的方形组合起来,仅以简单的线条或色块来表示其五官和毛发。


五、古典主义时期

1917年至20世纪20年代中期,谓之古典主义时期。这一时期的画面特点是,作品显得宁静,并且带着梦幻主义的色彩。在创作手法上依然承袭古典主义的路线,但是舍弃了古希腊雕塑的粗旷风格,转向了文艺复兴时期的秀美格调。作品如《罗森贝尔格夫人与女儿的肖像》、《海边一家人》、《扮丑角的保罗》等。

1918年新婚的毕加索夫妇受邀在智利籍收藏家尤金妮•艾拉苏黎兹位于比亚利兹的别墅度蜜月,此时画商罗森贝尔格一家人也在此渡假,并极力说服毕加索成为其画廊旗下的艺术。《罗森贝尔格夫人与女儿的肖像》便是毕加索在别墅中为罗森贝尔格所做,也是他少数接受委托的作品之一。画中毕加索重返欧洲艺术的传统题材,将罗森贝尔格夫人和她的女儿描绘成一种传统的母子图像,人物安稳地置于画面中央,构图平稳且人物的动作趋向静态,同时减少了装饰性的色彩与笔触,诸多特征都反映了古典艺术的精神。

《海边一家人》创作于毕加索携家人在滨海城市迪纳尔度假期间,画作构图安稳地将母亲、小孩、父亲的姿态串连在一起,如同文艺复兴时期的绘画一样自成一个完满的结构。父子两人全身赤裸,只有母亲穿戴红色的发饰和白色的长袍。根据这件作品的素描习作,原本毕加索以简单的线条暗示出窗帘和床铺,描绘了一个室内场景;制成油画后,则转而以水平的色块来表现海水和沙滩。此时毕加索以这种没有云朵和礁石,只用水平线暗示海水、陆地与天空的交际线的做法,来展开他的构图研究,这种背景也广泛地出现在同时期的油画和素描作品中。

《扮丑角的保罗》创作于1925年,画中的保罗出生于1921年,是毕加索和第一任妻子奥尔加的孩子,也是毕加索绘画中常见的模特儿。画作中保罗身穿有着夸张领口的白色小丑服,头戴尖帽,手持面具。毕加索以轻快的笔调勾画出保罗的表情以及简洁利落的身形,构图单纯而富有装饰性,运用白色、黑色、红色塑造出强烈的对比。


六、超现实主义时期

20世纪20年代中期至30年代初,是毕加索创作的超现实主义时期,其创作特点是将生与死,梦境与现实统一起来,具有神秘、恐怖、怪诞的气氛。这时期的作品包括《雕塑家》等。

《雕塑家》是以毕加索的情人玛丽•泰瑞莎的形象为蓝本设计的。玛丽•泰瑞莎的形象被描绘成画面左边的胸像,这尊胸像形体巨大、色彩鲜明,和雕塑家身后台座上的白色雕像有着截然不同的魅力。画中雕塑家正支着头注视着他的作品,彷佛正思考要如何进行下一步。这种雕塑家及其作品的主题,往往令人想起希腊神话中的毕马龙对于现实生活中的女性兴趣缺缺,反而爱上自己的作品。另外,这一时期毕加索正在实验各种变形的手法,在这件作品中,他对于变形的处理诉诸平面化与图案化。毕加索运用大量夸张的曲线勾勒出形体的轮廓,其中雕塑家和胸像的脸部造形相对较为清晰可辨,彷佛在强调两人对望的情景,而远离头部的手、脚与家具等造形则激烈地扭曲、断裂,甚至和其他形体的线条连在一起。毕加索也将许多轮廓线加以延长,而切割出不同的区域,色彩就如同填色游戏般涂绘在各区域中。此外毕加索也强调装饰的效果,他在部分线条的周围加上点状装饰,使得平涂的色块变的层次丰富。


七、蜕变时期

1932至1945年可称为毕加索创作的蜕变时期。这一时期的艺术特点是,画作多为立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画。以剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积抽象来表现痛苦、受难等感觉。作品包括《坐红色扶手椅的女子》、《朵拉•玛尔肖像》等。

在《坐红色扶手椅的女子》这幅画中,毕加索强调了人体的局部特征,而同时减损了整体的关联。头部和胸部则变成球形,双手的关节和肌肉都被省略,整只手臂变成茄子形,只以些许凹陷的痕迹去标示手指的位置,从头发到肩膀的曲线被描绘成奇特的薄片,至于连接四肢的身体反而变成空心的,使得各部位怪异地飘浮在空中。

在《朵拉•玛尔肖像》这幅作品中,毕加索仍然重视变形,引人注目的绘画技巧是对于脸部的变造。侧面与正面的轮廓重迭,兼具拆解和装饰的原理。这种双重视角接近于1920年代以来毕加索的风格,五官的扭曲成为这种风格的一大特征。然而线条的使用在这幅画里大量减少了,取而代之的是丰富而艳丽的色块。


八、田园时期

1946年以后都可称为毕加索创作的田园时期。这一时期的艺术特点表现为,仍然以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画为主,手法运用更加灵活娴熟,画面粗狂干劲,和谐统一。作品包括仿莫奈《草地上的野餐》、《拥抱》等。

1863年当莫奈的《草地上的野餐》展出时,衣冠楚楚的男士与裸女共进午餐的画面引起了争议,这件著名的作品也引起了毕加索的兴趣。本次大展即将展出的这件仿莫奈《草地上的野餐》是《草地上的野餐》诸多变体中的早期作品,此时可以明显看到画面中各个角色的位置和莫奈原作之间的对照关系,包括左下角的竹蓝和食物、画面左方的裸女以及右方戴黑帽的男士、树林深处弯腰的女子以及左右两侧近景的树木等等。最明显的差异或许在于原本莫奈画中位于裸女身后的男士,在毕加索这个版本中被省略了。毕加索以一种率性的笔触来回顾绘画史,运用更多的弧线使得整幅作品弥漫着音乐般的动态。同时,他过去使用的技巧也一再重现,比如左侧的女子侧面的鼻子与一双并排的眼睛令人想起毕加索1930年代以来的变形手法,右边男士与草地混融在一起的大腿,更反应了毕加索对于轮廓线和背景的研究。

晚年的毕加索作画依旧快速,无论是主题或形式都更加奔放自由。此时他的作品可说距离古典的精神非常遥远了,而呈现出玩世不恭、随心所欲的态度。也就是在这个时期,他完成了许多性爱题材的作品诸如《拥抱》。这幅作品有着狂野的作风,浓重的线条与强烈的色彩使得这个拥抱一点也没有传统绘画中的矜持和爱情故事中的纯情,而是以激烈而张狂的动作交缠在一起。同时,毕加索运用了巧妙的图、地对比来营造复杂的空间感,最明显的是两人头部的相接处呈现互补的造形,此外画面中左方男子的头部是填色的,然而他的颈部却只有轮廓线;右边的女子虽然头部是镂空的,但她的胸部和双手却填满了厚实的白色;因此虽然视觉上我们会因为颜色接近,而把白色的部分视为同一个人体,实则它却是两个人体缠绕在一起的结果。毕加索将最强烈的线条集中在两人的五官,随着视线往画面下方移动线条则逐渐模糊,反而以色块来表现空间的层次。

  • 自我
  • 皇后棋
  • 兵棋
  • 灰色的手
  • 筑红

  • 赤足的少女

    赤足的少女

    1900年之前 童年时期


    《赤足的少女》又名《赤脚姑娘》,是毕加索在14岁时的作品。

    表现在画中的强烈的视觉和情感对比是这幅画引人入胜之处。

  • 男子肖像

    男子肖像

    1900年-1904年 蓝色时期


    1900年至1904年,谓之蓝色时期。在这个阶段,毕加索第一次形成自己的风格。“作品背景蓝,人物蓝,头发、眉毛、眼睛皆蓝,蓝色主宰了……


      

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